Noticias de cine

Una vez vistas todas las películas de esta 53ª edición de la Seminci, puede haber llegado el momento de sacar unas conclusiones y hacer un pequeño pronóstico de lo que el palmarés nos puede dejar. Como ya se ha dicho en el artículo previo y en las crónicas diarias, la primera Semana de Javier Angulo tenía un claro carácter europeo y especialmente español, sin cintas provenientes de los grandes festivales ni películas orientales, y también suponía una apuesta por bastantes nuevos directores que despertaban muchas incógnitas junto con otros ya consagrados que daban más seguridad a la programación. Por otra parte, mucho drama con la enfermedad y la muerte por medio, unas miradas a la realidad social y alguna que otra a la memoria histórica (rigurosa en el caso danés, sesgada en el nuestro). Cuatro meses de preparación para un nuevo director que arriesgó e intentó dar señales de cambio –otra cosa es que lo haya “vendido” bien–, que se apoyó en muchos amigos y contó con su presencia en el festival para afirmar el cine español, y que tuvo que sufrir los eternos problemas de una organización mejorable y que suscita repetidas quejas. Los ciclos de Gonzalo Suárez y de Marco Ferreri-Rafael Azcona no despertaron al final mucho interés, y sí en cambio el que hermanaba a Bo Widerberg con Shohei Imamura “contra sus padres”. Menos cortometrajes de lo habitual y unos documentales y películas en la sección paralela que no llamaron excesivamente la atención.

Pero centrándonos en la Sección Oficial, hay que decir que el nivel de las propuestas presentadas ha sido, al menos, aceptable y en algún caso muy honroso. Es cierto que cuesta entender la inclusión de algunas de calidad más que dudosa como “Dr. Alemán”, “El frasco”, “Villa” o “La mujer del anarquista”, pero en cambio ha habido gratas sorpresas como “Una cierta verdad” —visión muy interesante sobre los enfermos de esquizofrenia, aunque quizá por ser documental se vaya sin nada—, “The loss of a teardrop diamond” –Tennessee Williams aunque sin sus atmósferas asfixiantes, por lo que alguno ha dicho que se queda en lo superficial del dramaturgo–, o las danesas “Flammen & Citronen” –más que correcto guión e interpretaciones con fuerza para los héroes partisanos– y “Frygtelig lykkelig” –negrísimo pero bien construido thriller independiente–. Las cuatro podrían llevarse algún premio, aunque casi todas las papeletas las tienen, en mi opinión, otras cintas que parten con ventaja: “Cerezos en flor”, exquisito retrato interior de padres e hijos, lo mismo que “La ventana” de Carlos Sorin, dos propuestas llenas de sensibilidad y de sutilidad en las formas al transmitir los sentimientos de sus personajes; pero quizá la película más completa y redonda sea “Maria Larssons eviga ögonblick” del sueco Jan Troell, que se podría llevar la Espiga de Oro y algunos premios más como los de fotografía o mejor actriz. Atom Egoyan no defraudó para seguir hablándonos de tolerancia en una nueva búsqueda de identidad personal y recorriendo formas cinematográficas tan sugerentes como arduas para el espectador: la crítica podría darle su respaldo porque calidad no le falta, pero dudamos que sea la gran triunfadora. Y la recuperación de la memoria que Helena Taberna pretende hacer en su cruzada contra la Iglesia podría llevarse el premio a la mejor banda sonora de Ángel Illarramendi, lo mejor de una cinta, “La buena nueva”, que navega con el viento a favor de lo políticamente correcto. Entre el público, parece que la española “Retorno a Hansala” gustó mucho y se disputará el premio con “Estómago”, producción brasileña que a quien esto escribe no llegó a convencer. Leer más »

Teniendo aún fresca la proyección de “Metrópolis” de la noche anterior, el jueves dimos un paseo por tierras argentinas para conocer un poco más a sus gentes y descubrir su gusto por las cosas pequeñas. Como no podía ser de otro modo, nuestro primer guía fue Carlos Sorin con “La ventana”, una película íntima y minimalista en la que asistíamos al último día de vida de don Antonio, un anciano que se recupera de un infarto en su casa de campo y que espera la llegada de su hijo desde Europa. Como en el resto de su filmografía, la historia es pequeña y no va más allá de esos preparativos, con solo una escapada por los alrededores para añadir cierto dramatismo. Pero en el cine de Sorin lo importante no es eso, sino recoger los momentos de vida interior de sus personajes, hacerlo con una asombrosa sencillez formal que transmite las menudencias cotidianas o que sabe percibir el paso del tiempo. Como dijo en la rueda de prensa, le interesa «capturar la verdad de sus personajes para, con sutileza y con todos los matices posibles, conmover al espectador con reacciones muy humanas». Quizá por eso su diseño de producción contiene numerosos detalles que dan verosimilitud a las escenas, y también por eso quiso que el actor, Antonio Larreta, y el personaje fueran escritores, «porque ellos tienen una forma particular de decir las cosas».

 
“La ventana” es una cinta sobre la vida más que sobre la muerte, inspirada en un cuento que recogía el último día de Antón Chéjov y también en la necesidad personal del director ante el fallecimiento de su padre. Nos dijo que, escribiendo el guión, se percató de «estar casi haciendo un remake de “Fresas salvajes”», película que había supuesto su despertar al cine adulto y que no veía desde hacía cuarenta años. Efectivamente, su film recoge esa contemplación de la vida cuando se extingue y el retorno a la infancia –memorable inicio y clausura de la cinta– y también se aprecia la misma distancia del anciano respecto a su hijo y nuera que en la obra de Ingmar Bergman, pero la sensibilidad es otra y aquí está trufada de una «mirada humorística que debe salir natural, porque quería que el espectador respirase y tuviera cierta sonrisa al verla», comentó Sorin. La sensibilidad y delicadeza que el rostro de Antonio transmite sólo es comparable a la mirada de una cámara “esencial” que recoge la luz decadente del día, el soplar del viento en la naturaleza o el tic-tac de un reloj que no para: la imagen y el propio cine son por eso protagonistas de este “ejercicio de estilo” –así lo llamó el director aludiendo al cine de Alexander Sokurov en el que se miraba–, queriendo dar con este trabajo un giro en su filmografía. Sin duda, estamos ante una historia dura pero bella y tierna, ejemplar en la depuración formal y que captura el tiempo y los sentimientos de manera sutil, poco narrativa y muy interior. Con un presupuesto inferior al medio millón de euros, es una apuesta por el cine de autor de calidad y profundamente humano. Si se llevase algún premio, sin duda sería merecido porque estamos ante una película exquisita. Leer más »

Aunque es la tónica dominante de esta edición de la Seminci, durante el miércoles la primacía de lo hispano fue ya absoluta: las tres propuestas de la Sección Oficial hablaban español, y también casi la totalidad de los otros ciclos organizados. A primera hora, el uruguayo Rodrigo Plá abrió con “Desierto adentro”, un plato fuerte sobre la culpa y la redención, ambientada en el México de los años treinta y cuarenta. Entonces, en plena guerra y persecución religiosa, Elías ha puesto en peligro la vida de toda la comunidad creyente, que acaba siendo masacrada. Su conciencia de culpa y de tener que pagar por ello en sus hijos será el comienzo de un calvario del que intentará salir para recuperar la paz. Articulada en cuatro episodios –culpa, penitencia, señal de Dios y perdón que no llega–, la historia brota del recuerdo de Aureliano, el hijo pequeño de Elías nacido con la culpa –en su parto murió la madre– y que se encuentra aislado del exterior por una enfermedad, haciendo siempre dibujos de su entorno.

Su mirada será la del director a la hora de acercarse a un modo de vivir la religiosidad desde la angustia y el temor, desde la culpa personal y la necesidad de recuperar la fe en Dios a través de la construcción de una iglesia. Es la visión negativa y sin libertad de un Elías que vive de cierto fanatismo y que se ahoga en su “desierto interior”: es la misma tragedia que el espectador respira y que le asfixia hasta no poder degustar la película porque se hace un poco pesada, demasiado seria y grave, excesivamente… unamuniana o pelagiana (o bergmaniana al modo mexicano). Su factura es realista y la ambientación está conseguida, el guión equilibrado transita bien desde el recuerdo infantil hasta la cruda realidad –con transiciones del dibujo a planos del rodaje–, y las interpretaciones tienen fuerza y resultan convincentes. Como hemos dicho, la pega es que estamos ante una cinta muy densa y ardua, como un largo desierto por el que andar. Leer más »

Afortunadamente hemos encontrado una nueva joya en la Seminci, la misma que perdió Fisher Willow al llegar a una fiesta de alta sociedad en el sur de los Estados Unidos. Son los años veinte en una plantación del Mississippi y una joven caprichosa y vanidosa que vuelve de Europa contrata al atractivo Jimmy (Chris Evans) –que trabaja en la hacienda de su padre– para alardear frente a sus amigas cuando vaya a las fiestas. Acostumbrada a tener todo lo que se propone, quiere conseguir también su afecto, pero se encuentra a un hombre honesto y de principios que no está dispuesto a dejarse enredar en su tela de araña, menos aún cuando ella pierde un pendiente de gran valor. Este es el marco de “The loss of a teardrop diamond” (“La pérdida de un diamante lágrima”), primera película de Jodie Markell, con guión de Tennessee Williams y que cuenta con Bryce Dallas Howard como protagonista indiscutible. No se encuentran ya guiones como el de Tennessee, que no da puntada sin hilo al radiografiar una sociedad intolerante, cerrada y que vive de las apariencias. Cada personaje y situación están medidos con precisión y se apuntan mil detalles para reflejar el orgullo y las diferencias de clase de esa sociedad sureña, con un matizado retrato de caracteres que muestran la prepotencia, los celos y también la honestidad de algunos de sus personajes.

Fisher tiene que madurar porque lleva toda su vida huyendo de sí misma, escondida en sus riquezas, y solo la solidez moral de Jimmy y el enfrentamiento a la muerte de la anciana Miss Addie (Ellen Burstyn) la hacen despertar y renunciar a su orgullo y encontrar otro diamante para la vida. Una película independiente, muy bien ambientada y con un diseño artístico de altos vuelos, con una Bryce Dallas que mejora incluso sus papeles anteriores para trasladarnos a una mentalidad de otra época y recordarnos a las heroínas de las adaptaciones teatrales del famoso dramaturgo estadounidense. Sin duda, se trata de un gran largometraje a pesar de ser una ópera prima, y sabe integrar ese clima social de los años veinte con el vivido por el guionista en los cincuenta. En la rueda de prensa, Jodie Markell habló de su intención de recuperar el espíritu y la esencia de Tennessee Williams al realizar la adaptación cinematográfica de un texto suyo –han pasado cuarenta años desde la última– porque su mensaje tiene actualidad en estos momentos de crisis de valores, intolerancia y corrupción en la sociedad. También incidió en el sentido metafórico de la luz en algunas escenas clave, y en la herencia recibida del cine de Elia Kazan y Martin Scorsese o de “El ángel exterminador” de Luis Buñuel, autores en los que se inspiró para su película. Leer más »

La mañana amaneció con una de nazis y terminó con un viaje a otros mundos de la mente. Por un lado, héroes llenos de ideales patrióticos mezclados con otros sentimientos algo más confusos y menos loables; por otra parte, héroes anónimos que tratan de ayudar a enfermos psíquicos a sobrellevar su personal tragedia. En primer lugar, veíamos un “hermanamiento” de invasores e invadidos durante la 2ª Guerra Mundial: una co-producción de Dinamarca y Alemania ha llevado a buen puerto “Flammen & Citronen”, dirigida por Ole Christian Madsen, película que recoge y ensalza al grupo de la resistencia Holger Danske durante la ocupación alemana. Historia basada en hechos reales de 1944 en torno a la actividad partisana del colérico Flammen y del sensible Citronen.

Con dos personalidades muy diferentes pero con una amistad a prueba de bombas, la pareja protagonista galvaniza alrededor suyo toda la caótica y descontrolada resistencia danesa, con informaciones y órdenes que se cruzan, intereses particulares e identidades enigmáticas, y donde la confianza y la inocencia, o el amor y la venganza se mezclan y confunden. Es la forja de dos héroes (?) inscritos en la leyenda por su valor y arrojo –los excesos del final sólo se explican desde esa voluntad mitificadora–, con una trama política  y unas historias personales bien integradas. Un buen rodaje –una de las producciones más caras del cine danés–, con la suficiente información sobre espías y contra-espías para no perderse ni embarullarse en la complicada trama, que mantiene la atención del espectador dejándole momentos de respiro y también para la emoción. Sus protagonistas, Thure Lindhardt y Mads Mikkelsen tiene buena parte de la responsabilidad en una cinta comercial que ya tiene distribuidora para nuestro país y que gustará a un público amplio. Leer más »

No es cosa del que escribe sino de la propia Seminci: en su programación insiste en desenterrar muertos y traerlos al mundo de los vivos en su empeño por recuperar el pasado y enmendar errores o torpezas cometidos. La lista de películas que miran a la muerte para armar su trama dramática aumentaba este domingo con la propuesta alemana “Cerezos en flor” de Doris Dörrie. Es la historia de Trudi y de su marido Rudi: él está gravemente enfermo pero el médico y su mujer han decidido no decírselo y sí viajar a ver a dos de sus hijos a Berlín. Pero los muchos quehaceres y algo de egoísmo les impiden atender a sus padres como es debido, hasta que de repente es Trudi quien se muere de infarto… Es el final de un matrimonio que ha vivido muy unido o el comienzo de un viaje que Rudi deberá hacer para conocer mejor a quien era su mujer y también a sus hijos: decidido a cumplir el sueño de su esposa de visitar el monte Fuji y a su hijo predilecto que vive en Japón, Rudi viaja hasta allá para tener un verdadero reencuentro con su mujer y con la vida.

El título de la película obedece a la necesidad de aprender a disfrutar de las cosas importantes de la vida que dan la felicidad, algo que pasa por hacerlo con quien uno ama: ése es el mensaje de la cinta porque «la belleza de los cerezos en flor es cosa de un día, pero el recuerdo de haber amado dura toda la eternidad». Es también un viaje de reparación con momentos llenos de emoción honda y contenida mostrada de manera delicada y sutil, y una preciosa historia de amor maduro que se ha expresado en silencio a lo largo de una vida y que ahora recibe el premio en la escena final de danza butoh japonesa, preciosa en lo artístico y llena de simbolismo. Choque de mentalidades y de la modernidad con la tradición, y también conflicto generacional en torno a una familia en que los padres no reconocen a los hijos y éstos no se comportan como tales: en este sentido, imposible olvidar el cine de Yasujiro Ozu, influencia decisiva para una Dörrie que moderniza su mirada humanista sobre las relaciones personales y la familia. Una joya de película muy bien interpretada y que gustará a los amantes del cine intimista que apuesten por valores llenos de sensibilidad y no les importe la lentitud de su narrativa. Leer más »