Noticias de cine

Cuando hace unas semanas se anunció que Antonio Banderas iba a interpretar a Salvador Dalí a las órdenes de Simon West, os comentamos que próximamente se estrenaría otra película centrada en este célebre artista que lleva por título “Little ashes” —parece ser que en España se cambiaría por “¡Al límite!”— y en la que Robert Pattinson (“Crepúsculo”) es el encargado de dar vida al pintor catalán en su juventud. Esta última propuesta es una coproducción entre Inglaterra y España, y su argumento gira alrededor de la intensa relación que se estableció entre Dalí, Luis Buñuel y Federico García Lorca cuando coincidieron en la Residencia de Estudiantes de Madrid.

Buñuel está encarnado por el actor Matthew McNulty (“Control”), mientras que Javier Beltrán (la serie “Zoo”) hace de Lorca. Completan el reparto Marina Gatell, Esther Nubiola, Bruno Oro, Simón Andreu, Vicky Peña y Arly Jover. “Little ashes” tiene en la realización a Paul Morrison, responsable de la nominada a un Oscar® “Solomon and Gaenor”, siendo su guión obra de la primeriza Phillipa Goslett. La cinta ha participado recientemente en la Seminci de Valladolid tras su presentación mundial en el británico Raindance Film Festival. De momento se desconoce cuándo tendrá lugar su estreno comercial en nuestra cartelera, aunque ya se puede ver el tráiler en Yahoo! Movies. A mí me ha parecido todo demasiado impostado, pero, a malas, quizás ésta consigue no ser peor que las otras películas, entre espantosas y muy flojas, que se han hecho sobre estos personajes. Además, en su web oficial se encuentran disponibles varios clips con fragmentos del largometraje.

En la imagen: Cartel y fotograma de “Little ashes” - Copyright © 2008 Regent, Factotum Barcelona, Aria Films, Met Film, APT Films, Katapult Film Sales. Todos los derechos reservados.

La producción española “La noche que dejó de llover”, ópera prima de Alfonso Zarauza, se ha alzado recientemente con el Premio Paoa al Mejor Director en el Festival Internacional de Cine de Viña del Mar, Chile, donde competía en la Sección Oficial de Largometrajes Internacionales. La película, protagonizada por Luis Tosar (“Casual day”, “Corrupción en Miami”, “Te doy mis ojos”, “Los lunes al sol”) y la actriz alemana Nora Tschirner (”KeinOhrHasen”), había sido presentada con anterioridad en la Seminci de Valladolid y en el Festival Internacional de Cine de Sao Paulo, certámenes en los que ya había gozado de una calurosa acogida. En su reparto también figuran Chete Lera (“El niño de barro”, “Concursante”) y Mercedes Sampietro (“El hombre de arena”, “53 días de invierno”). De momento todavía no tiene fecha de estreno en salas comerciales ni existe ningún tráiler disponible.

Esta historia de amor ambientada en Santiago de Compostela nos presenta al personaje de Spleen (Tosar), un dandi al que sólo le gustan tres cosas en la vida: Valle-Inclán, los Smiths y las chicas malas con flequillo; pasa las noches en compañía de sus amigos de La Taberna de los Dramáticos, un santuario bohemio al que no falta ni una noche desde hace años. Después de tres meses de lluvia ininterrumpida, de pronto una noche deja de llover. Es entonces cuando conoce a La Rusa (Tschirner), una chica mala con flequillo en la que materializa sus ilusiones. Juntos iniciarán un viaje inesperado y surrealista a través de la noche y del interior de ellos mismos por una extraña ciudad de piedra que transformará sus vidas por completo. “La noche que dejó de llover” ha sido definida como una road movie andante, una fábula cercana al realismo mágico, amena, tierna, pero no exenta de humor negro, que recrea un mundo propio muy peculiar. La crítica ha dicho sobre ella que se trata de una propuesta original, arriesgada, honesta y con personalidad, y uno de los más bellos y poéticos retratos de la ciudad gallega.

En la imagen: Cartel y fotograma de “La noche que dejó de llover” - Copyright © 2008 Perro Verde Films, Iroko Films y Televisión de Galicia. Todos los derechos reservados.

“Adoration” es el nuevo trabajo del reputado director y guionista Atom Egoyan, responsable de títulos como “Ararat”, “El viaje de Felicia”, “El dulce porvenir” —por la que obtuvo dos nominaciones al Oscar®—, “Exótica” o “El liquidador”. Ya habíamos hecho referencia a esta película tiempo atrás, cuando se presentó en los festivales de Cannes y Toronto, donde recibió una Mención Especial, y más recientemente volvíamos a hablaros de ella a su paso por la Seminci y como anticipo de su participación en el actual Festival de Gijón. Su estreno comercial se producirá a lo largo del año que viene —en Estados Unidos será el 8 de mayo—, de ahí que ya sea posible ver el correspondiente tráiler en Yahoo! Movies. En “Adoration” el cineasta armenio-canadiense vuelve a explorar las relaciones familiares y el poder de las tecnologías, en este caso Internet, a través de una red de conexiones entre pasado y presente, lo real y lo virtual.

Todo empieza cuando Sabine (Arsinée Khanjian, esposa y musa del director), la profesora de francés de un instituto, propone a sus alumnos un ejercicio de traducción basado en una noticia de prensa relativa a un terrorista que ha puesto una bomba en el equipaje de vuelo de su novia embarazada. El ejercicio ejerce un profundo impacto en uno de los estudiantes, Simon (Devon Bostick), que vive con su tío (Scott Speedman, “Los extraños”). Mientras va traduciendo, el joven recrea la historia en su cabeza imaginando que le ha sucedido a su familia, y que el terrorista es su propio padre, al que perdió años atrás en un extraño accidente de coche que también acabó con la vida de su madre. Simon lee su versión en clase y luego la publica en la Red, creándose así una falsa identidad en el ciberespacio. El relato desencadenará una fuerte reacción pública, y también le llevará a descubrir el verdadero pasado de su familia a través de una misteriosa mujer. Rachel Blanchard, Noam Jenkins, Kenneth Welsh, Thomas Hauff, Geraldine O’Rawe, Janice Stein y Katie Boland completan el reparto de la cinta.

En la imagen: Fotograma de “Adoration” - Copyright © 2008 Ego Film Arts. Todos los derechos reservados.

Una vez vistas todas las películas de esta 53ª edición de la Seminci, puede haber llegado el momento de sacar unas conclusiones y hacer un pequeño pronóstico de lo que el palmarés nos puede dejar. Como ya se ha dicho en el artículo previo y en las crónicas diarias, la primera Semana de Javier Angulo tenía un claro carácter europeo y especialmente español, sin cintas provenientes de los grandes festivales ni películas orientales, y también suponía una apuesta por bastantes nuevos directores que despertaban muchas incógnitas junto con otros ya consagrados que daban más seguridad a la programación. Por otra parte, mucho drama con la enfermedad y la muerte por medio, unas miradas a la realidad social y alguna que otra a la memoria histórica (rigurosa en el caso danés, sesgada en el nuestro). Cuatro meses de preparación para un nuevo director que arriesgó e intentó dar señales de cambio –otra cosa es que lo haya “vendido” bien–, que se apoyó en muchos amigos y contó con su presencia en el festival para afirmar el cine español, y que tuvo que sufrir los eternos problemas de una organización mejorable y que suscita repetidas quejas. Los ciclos de Gonzalo Suárez y de Marco Ferreri-Rafael Azcona no despertaron al final mucho interés, y sí en cambio el que hermanaba a Bo Widerberg con Shohei Imamura “contra sus padres”. Menos cortometrajes de lo habitual y unos documentales y películas en la sección paralela que no llamaron excesivamente la atención.

Pero centrándonos en la Sección Oficial, hay que decir que el nivel de las propuestas presentadas ha sido, al menos, aceptable y en algún caso muy honroso. Es cierto que cuesta entender la inclusión de algunas de calidad más que dudosa como “Dr. Alemán”, “El frasco”, “Villa” o “La mujer del anarquista”, pero en cambio ha habido gratas sorpresas como “Una cierta verdad” —visión muy interesante sobre los enfermos de esquizofrenia, aunque quizá por ser documental se vaya sin nada—, “The loss of a teardrop diamond” –Tennessee Williams aunque sin sus atmósferas asfixiantes, por lo que alguno ha dicho que se queda en lo superficial del dramaturgo–, o las danesas “Flammen & Citronen” –más que correcto guión e interpretaciones con fuerza para los héroes partisanos– y “Frygtelig lykkelig” –negrísimo pero bien construido thriller independiente–. Las cuatro podrían llevarse algún premio, aunque casi todas las papeletas las tienen, en mi opinión, otras cintas que parten con ventaja: “Cerezos en flor”, exquisito retrato interior de padres e hijos, lo mismo que “La ventana” de Carlos Sorin, dos propuestas llenas de sensibilidad y de sutilidad en las formas al transmitir los sentimientos de sus personajes; pero quizá la película más completa y redonda sea “Maria Larssons eviga ögonblick” del sueco Jan Troell, que se podría llevar la Espiga de Oro y algunos premios más como los de fotografía o mejor actriz. Atom Egoyan no defraudó para seguir hablándonos de tolerancia en una nueva búsqueda de identidad personal y recorriendo formas cinematográficas tan sugerentes como arduas para el espectador: la crítica podría darle su respaldo porque calidad no le falta, pero dudamos que sea la gran triunfadora. Y la recuperación de la memoria que Helena Taberna pretende hacer en su cruzada contra la Iglesia podría llevarse el premio a la mejor banda sonora de Ángel Illarramendi, lo mejor de una cinta, “La buena nueva”, que navega con el viento a favor de lo políticamente correcto. Entre el público, parece que la española “Retorno a Hansala” gustó mucho y se disputará el premio con “Estómago”, producción brasileña que a quien esto escribe no llegó a convencer. Leer más »

Teniendo aún fresca la proyección de “Metrópolis” de la noche anterior, el jueves dimos un paseo por tierras argentinas para conocer un poco más a sus gentes y descubrir su gusto por las cosas pequeñas. Como no podía ser de otro modo, nuestro primer guía fue Carlos Sorin con “La ventana”, una película íntima y minimalista en la que asistíamos al último día de vida de don Antonio, un anciano que se recupera de un infarto en su casa de campo y que espera la llegada de su hijo desde Europa. Como en el resto de su filmografía, la historia es pequeña y no va más allá de esos preparativos, con solo una escapada por los alrededores para añadir cierto dramatismo. Pero en el cine de Sorin lo importante no es eso, sino recoger los momentos de vida interior de sus personajes, hacerlo con una asombrosa sencillez formal que transmite las menudencias cotidianas o que sabe percibir el paso del tiempo. Como dijo en la rueda de prensa, le interesa «capturar la verdad de sus personajes para, con sutileza y con todos los matices posibles, conmover al espectador con reacciones muy humanas». Quizá por eso su diseño de producción contiene numerosos detalles que dan verosimilitud a las escenas, y también por eso quiso que el actor, Antonio Larreta, y el personaje fueran escritores, «porque ellos tienen una forma particular de decir las cosas».

 
“La ventana” es una cinta sobre la vida más que sobre la muerte, inspirada en un cuento que recogía el último día de Antón Chéjov y también en la necesidad personal del director ante el fallecimiento de su padre. Nos dijo que, escribiendo el guión, se percató de «estar casi haciendo un remake de “Fresas salvajes”», película que había supuesto su despertar al cine adulto y que no veía desde hacía cuarenta años. Efectivamente, su film recoge esa contemplación de la vida cuando se extingue y el retorno a la infancia –memorable inicio y clausura de la cinta– y también se aprecia la misma distancia del anciano respecto a su hijo y nuera que en la obra de Ingmar Bergman, pero la sensibilidad es otra y aquí está trufada de una «mirada humorística que debe salir natural, porque quería que el espectador respirase y tuviera cierta sonrisa al verla», comentó Sorin. La sensibilidad y delicadeza que el rostro de Antonio transmite sólo es comparable a la mirada de una cámara “esencial” que recoge la luz decadente del día, el soplar del viento en la naturaleza o el tic-tac de un reloj que no para: la imagen y el propio cine son por eso protagonistas de este “ejercicio de estilo” –así lo llamó el director aludiendo al cine de Alexander Sokurov en el que se miraba–, queriendo dar con este trabajo un giro en su filmografía. Sin duda, estamos ante una historia dura pero bella y tierna, ejemplar en la depuración formal y que captura el tiempo y los sentimientos de manera sutil, poco narrativa y muy interior. Con un presupuesto inferior al medio millón de euros, es una apuesta por el cine de autor de calidad y profundamente humano. Si se llevase algún premio, sin duda sería merecido porque estamos ante una película exquisita. Leer más »

Aunque es la tónica dominante de esta edición de la Seminci, durante el miércoles la primacía de lo hispano fue ya absoluta: las tres propuestas de la Sección Oficial hablaban español, y también casi la totalidad de los otros ciclos organizados. A primera hora, el uruguayo Rodrigo Plá abrió con “Desierto adentro”, un plato fuerte sobre la culpa y la redención, ambientada en el México de los años treinta y cuarenta. Entonces, en plena guerra y persecución religiosa, Elías ha puesto en peligro la vida de toda la comunidad creyente, que acaba siendo masacrada. Su conciencia de culpa y de tener que pagar por ello en sus hijos será el comienzo de un calvario del que intentará salir para recuperar la paz. Articulada en cuatro episodios –culpa, penitencia, señal de Dios y perdón que no llega–, la historia brota del recuerdo de Aureliano, el hijo pequeño de Elías nacido con la culpa –en su parto murió la madre– y que se encuentra aislado del exterior por una enfermedad, haciendo siempre dibujos de su entorno.

Su mirada será la del director a la hora de acercarse a un modo de vivir la religiosidad desde la angustia y el temor, desde la culpa personal y la necesidad de recuperar la fe en Dios a través de la construcción de una iglesia. Es la visión negativa y sin libertad de un Elías que vive de cierto fanatismo y que se ahoga en su “desierto interior”: es la misma tragedia que el espectador respira y que le asfixia hasta no poder degustar la película porque se hace un poco pesada, demasiado seria y grave, excesivamente… unamuniana o pelagiana (o bergmaniana al modo mexicano). Su factura es realista y la ambientación está conseguida, el guión equilibrado transita bien desde el recuerdo infantil hasta la cruda realidad –con transiciones del dibujo a planos del rodaje–, y las interpretaciones tienen fuerza y resultan convincentes. Como hemos dicho, la pega es que estamos ante una cinta muy densa y ardua, como un largo desierto por el que andar. Leer más »