El fenómeno mundial “High School Musical 3: Fin de curso” ha llegado esta mañana a Madrid de la mano de su director, Kenny Ortega, y cuatro de sus protagonistas principales, Zac Efron, Vanessa Hudgens, Ashley Tisdale y Corbin Bleu, o, lo que es lo mismo, Troy, Gabriella, Sharpay y Chad. A las puertas del Hotel Meliá ME, que ha acogido la rueda de prensa, una pequeña multitud de fans aguardaba expectante un fugaz saludo de sus ídolos… pero deberían esperar a la comparecencia ante el considerable número de medios convocados. La primera cuestión ha sido para Ortega, que más allá de su experiencia en esta saga contaba en su historial con otro musical, “Newsies (La pandilla)”, que en 1992 no contó con el favor del público; en su opinión, lo que ha cambiado es un cúmulo de factores: «el alcance de Disney, por supuesto, pero también el boca a boca, la difusión de Intenet, el nivel de nuestra producción, las coreografías, la inocencia que recuerda a los grandes títulos clásicos de MGM, muchas variables unidas».

La decisión de cerrar la trilogía en pantalla grande deriva del gran triunfo de la entrega anterior a nivel global. «Viajamos por Asia, África, Europa ─ha comentado el realizador─. Descubrimos a los millones de fans con los que contamos. Los chavales se identifican con los protagonistas, la música y la danza son universales, y nosotros buscamos presentar un mundo agradable, apetecible y divertido, en el que quieran sumergirse. Personalmente, estoy muy agradecido, es increíble». Tamaña aceptación ha transformado la vida de los jóvenes que interpretan los papeles centrales; así, Efron confesaba que «me ha abierto muchas puertas. Puede que haya cerrado otras, pero lo cierto es que las que abierto son tantas que casi no puedo ni contarlas. Pero lo más grande de esta experiencia siempre será el trabajo en equipo». Corbin Bleu, por su parte, comenzó en la franquicia «cuando tenía apenas dieciséis años, me estaba descubriendo, no sabía prácticamente nada. Ahora, tras trabajar tan duro, sé que he cambiado para mejor». Las chicas opinaban exactamente igual: mientras Hudgens confesaba que «nunca olvidaré todo esto», Tisdale ha suspirado al recordar «mi instituto, que no se parecía a este, ni mucho menos. De hecho, no tengo contactos con aquellos con los que estudié, pero mi verdadera graduación ha sido aquí, en High School». Leer más >>

Considerable expectación esta mañana en Madrid ante la presentación de lo último de José Luis Garci, “Sangre de mayo”, acto para el que se ha acompañado de parte de su reparto: Miguel Rellán, Carlos Larrañaga, Fernando Guillén Cuervo, Lucía Jiménez, Quim Gutiérrez, Tina Sáinz, Enrique Villén y Paula Echevarría. El film es un encargo de la Comunidad de Madrid, sumida durante este 2008 en la celebración del bicentenario del levantamiento popular contra los franceses; a pesar de tratarse de una solicitud externa, el realizador ha afirmado que «he tenido total libertad, puede incluso que más que en otras ocasiones. De hecho, creo que Esperanza Aguirre ni siquiera ha visto el resultado».  El origen de todo lo encontramos hace tres años, y el único requerimiento de Garci fue usar como base los textos de su admirado Benito Pérez Galdós. «Ha sido duro y complicado, y hemos tenido problemas, lógicamente ─el estreno debería haber coincidido con el dos de mayo─, pero ha sido maravilloso, estoy enormemente agradecido». Los quince millones de euros que ha costado la producción han sido sufragados enteramente por la ciudad, un presupuesto «ajustado, que nos ha hecho renunciar a unas veinte páginas del guión». Aún así, existe un montante total rodado de aproximadamente cuatro horas ─la cinta rebasa ampliamente las dos─, que será reutilizado para la elaboración de una miniserie de emisión televisiva.

La ambientación es uno de los puntos fuertes de esta adaptación libre de dos de los Episodios Nacionales de Galdós ─«es un autor moderno, un gigante de la literatura, su obra permite trabajar con soltura, sin ceñirse al texto totalmente», sostiene el cineasta─, una labor complicada en la que destaca sobremanera la atención puesta en el vestuario, tema complejo para las actrices presentes. Paula Echevarría se ha confesado «muy cómoda, es un gran apoyo para centrarse en la historia», mientras que Tina Sáinz se sintió «enfundada e infundida, me permitió dar un punto de vista perfecto»; Lucía Jiménez estaba halagada por acceder «a esta ropa, a esta puerta de entrada a un mundo mágico y tremendo». El grupo de intérpretes reunido estaba compuesto en su mayoría por habituales del cineasta, con la excepción hecha del joven Quim Gutiérrez. «Yo no hago casting, estoy en contra de ese proceso, lo considero humillante ─en este punto, el director se ha mostrado tajante─. Creo que es mi trabajo conocer a los artistas de mi país y el extranjero. Llamé a Quim para verle en persona, pero el papel era suyo. Carga con todo el peso, es fabuloso lo que ha hecho». Gutiérrez ha correspondido a los halagos aseverando que «trabajar con Garci es muy cómodo, lo que más me sorprendió fue su cercanía, lo hace todo tremendamente sencillo». Leer más >>

Era una ocasión única, y sólo había que echar un vistazo a la cantidad de medios acreditados para percatarse. Porque quizá no volvamos a ver juntos en nuestro país a Robert De Niro y Al Pacino, que ayer defendieron en Madrid su última colaboración hasta el momento, “Asesinato justo”, en compañía del director Jon Avnet. «En la segunda parte de “El padrino” no coincidimos, y en “Heat” sólo compartimos una escena», comentaba Pacino. «Nos conocemos desde hace mucho, y me encantó que Bob me llamara para participar con él en este proyecto». Sobre la temática del film, la justificación de los actos de un criminal que se dedica a exterminar a tipos viles y abyectos, Avnet señalaba que «es un dilema complejo, una cuestión existencial. Puede excusarse tal vez a quien comete un acto así en situaciones inmorales por naturaleza, algo tan brutal como fue la Segunda Guerra Mundial. O en defensa propia, tal vez. Es una labor muy oscura dentro del trabajo policial». Lo que no ha sido un problema es lograr la máxima entrega por parte de la pareja protagonista; Al Pacino suspiraba al recordar «lo duro que fue hacerlo todo en treinta y seis días, en una agenda tan apretada. Siempre hay que tratar de dar veracidad a tu personaje, en cualquier circunstancia. Y aunque he trabajado en un montón de cintas policíacas, no sé usar una pistola, aunque Jon y Bob no se lo creen».

Lo cierto es que los años pasan rápidamente, y ambos han debido cambiar las prioridades en sus vidas personales y profesionales. Así, De Niro afirmaba que «al envejecer te vas dando cuenta de que tienes menos tiempo, has de centrarte en lo más importante: hijos, familia… Mis últimos trabajos me han obligado a sacrificar eso un tanto, pero creo que ha valido la pena». Su colega sostenía, tranquilo y sonriente, que «mi ilusión no ha cambiado, me siento afortunado». Aunque han relajado su actividad ante la cámara, no parece que les falten ofertas. «Cuando comencé a trabajar me costó ser reconocido por el público ─exponía Pacino─. Ahora el problema sigue siendo igual, uno mismo. Pero siempre encuentro cosas interesantes, por suerte». Robert de Niro se mostraba de acuerdo: «es lógico que al hacerte mayor todo sea más difícil, claro. Al empezar en esto me daban papeles de padre, ahora los espero de abuelo. Lo realmente importante es dar el máximo en lo que haces». Hablando de esfuerzos, había curiosidad por saber qué había sucedido con su participación en “Edge of darkness”, aunque el veterano actor ha eludido rápidamente las referencias a su espantada, afirmando que «no sé qué ha pasado, ni quién está en mi lugar». Leer más >>

Las miradas cinematográficas internacionales siguen con atención cada nueva muestra de género que llega desde nuestro país. La última demostración de esta saludable realidad la encontramos en “El rey de la montaña”, presentada esta mañana en Madrid por su director, Gonzalo López-Gallego, acompañado de su pareja protagonista, Leonardo Sbaraglia y María Valverde, y los productores Elena Manrique (Telecinco Cinema) y Juan Pita (Contrabando). El realizador, que tiene en este su primer trabajo por encargo ajeno, ha comentado que «el proceso ha sido arduo, largo, bonito, muchos sentimientos y sensaciones. He tratado de ser lo más coherente posible a la hora de planificar y llevar a cabo la puesta en escena, adaptando el material un poco a mi gusto y manera de trabajar». Al tratarse de un libreto no escrito por él ha realizado cambios, obviamente, «sobre todo en el tercer acto y en la resolución final. Hay muchas referencias a videojuegos, algo que surgió espontáneamente de mi experiencia infantil».

Pueden hacerse muchas lecturas del film, entre ellas una evidente sobre la trivialización de la violencia en nuestra sociedad. Sin embargo, lo que ha pretendido el cineasta es «provocar que la gente hable al salir de la sala, que comente, que saque sus propias conclusiones. En lo que sí he tratado de indagar especialmente es en la falta de afecto y de cariño». Al centrarse la historia en tan sólo dos personajes, el trabajo con los actores ha sido fundamental. Leonardo Sbaraglia se ha esforzado «para que Quim aparecezca como un tipo normal. Lo que le sucede es tan extremo como arbitrario, le puede suceder a cualquiera. Creo que las situaciones límites nos hacen reflexionar; para reflejarlo, me he dejado atravesar por la idea de sentirme constantemente en peligro de muerte». Por su parte, María Valverde buscó «los subtextos de cada momento, hablé mucho con Gonzalo sobre dónde queríamos llegar realmente, para que el público tuviera más opciones. Por un lado dibujamos a Bea como una Caperucita Roja, por otro como el conejo al que sigue Alicia, es una muchacha que genera una gran incertidumbre». Leer más >>

Diez miembros del equipo de “Che: El argentino” nos presentaron la película hace un par de días, y “La conjura de El Escorial” no iba a ser menos, de suerte que han sido once los comparecientes, y eso que Jason Isaacs y Joaquim de Almeida no han podido asistir por problemas de agenda; así, los actores Julia Ormond, Jürgen Prochnow, Pablo Puyol, Juanjo Puigcorbé, Rosana Pastor, Tony Peck, Fabio Testi, Jordi Mollà y Blanca Jara han arropado al director Antonio del Real, auténtico protagonista del encuentro con la prensa. A modo de presentación, el realizador ha comentado que «tras este proyecto hay mucho dolor, mucha pasión, mucho esfuerzo y mucho amor al cine. Creo que por primera vez en mi carrera he logrado transmitir a los participantes mi entusiasmo y todos se han entregado al máximo, se han sentido partícipes de algo grandioso». Puigcorbé, que se mete en la piel de Felipe II, ha confesado que «me lo he pasado en grande interpretando al que fue el rey del mundo durante quince días. Últimamente se han dado acontecimientos similares a los que narra la cinta, la historia se repite cíclicamente ─en referencia al crimen de Estado de los GAL─ y eso me llama la atención enormemente».

Jordi Mollà (Mateo Vázquez) se enteró de la idea de Del Real «hace dos años, a través de Inglaterra, y me pareció fabuloso su esfuerzo para tratar este tema, proviniendo como es su caso de producciones más ligeras y livianas. Levantar un monstruo de catorce millones de euros supone un empeño enorme, y le estoy muy agradecido por dejarme participar». Parte de las dificultades provienen, evidentemente, del extenuante proceso de ambientación; el cineasta suspiraba al referirse a este tema: «hay muy pocos decorados, la mayoría del rodaje tuvo lugar en interiores y exteriores naturales, en un viaje sin fin a El Escorial, Segovia, Toledo, Sierra de Cazorla, Baeza, Úbeda… con lo que supone de traslados y movimiento para respetar el raccord». Por otra parte, señalaba que «Patrimonio Nacional suele poner problemas y cobra mucho, aunque cuando sus responsables leyeron el guión quedaron encantados, y han facilitado mucho nuestra labor. Ha sido maravilloso, incluso nos dejaron meter humo en la Biblioteca Nacional, aunque no sé si les hará mucha gracia que lo comente…». Leer más >>

Nuestra cinematografía sigue creciendo a nivel artístico e internacional. Esta mañana hemos tenido buena prueba de ello ante el interés generado por la presentación ante la prensa de “Che: El argentino”, coproducción en la que participa España y que supone la primera de las dos partes, junto con “Guerrilla”, que componen el biopic sobre uno de los mayores iconos revolucionarios de todos los tiempos. En una repleta sala del madrileño hotel Meliá ME han comparecido el director Steven Soderbergh, la productora Laura Bickford y buena parte del reparto, encabezado por el protagonista Benicio del Toro, junto a Vladimir Cruz, Rodrigo Santoro, Demián Bichir, Unax Ugalde y Elvira Mínguez. El realizador ha hecho una primera referencia al trabajo como consultor del periodista John Lee Anderson, «con quien hemos colaborado muy estrechamente. Nos ayudó enormemente a la hora de detallar la relación del Che con los que le rodeaban. Es un hombre de muchísimo talento, ojalá estuviese aquí hoy». Sobre los aspectos más oscuros del mito, ha comentado que «no se han incluido principalmente porque no entran en el plazo temporal que reflejamos, que se centra principalmente en las luchas en Cuba y Bolivia. Eso es otra historia». En este sentido, Laura Bickford ha especificado que «también ocurren muchas cosas en La Habana, por ejemplo, y en el film la ciudad no aparece».

Está claro que hacer frente a un icono de estas dimensiones no es tarea fácil. Benicio del Toro, también productor del proyecto, ha confesado que todos estos años de documentación «han llenado mi idea sobre él, más que completarla, porque no le conocía mucho, la verdad. Comenzamos con lo que él escribió, hablamos con su familia, con sus amigos, tuvimos mucha suerte en ese sentido. Lo que se ve en pantalla no es inventado, todo viene de nuestra investigación. Era una persona muy coherente». Soderbergh ha confesado que su visión de Ernesto Guevara no ha cambiado, porque «cuando hago una película, apoyo a todos los personajes, con sus luces y sus sombras. Respeto sus puntos de vista, mi intención no es glorificar ni vilipendiar su nombre, entre otras cosas porque ni siquiera soy latino, no tengo ninguna clase de conexión con él. Pero cada día, durante más de una década, luchó por una sociedad más justa, mantuvo su furia ante la injusticia que veía, es realmente complicado e increíble. Y es un material cinematográfico excepcional». Del Toro ha retomado la palabra para incidir en «lo complicado que ha sido todo. Su vida da para diez películas, por lo menos, y nos limitamos a dos porque Steven pensó que con una sola la gente no entendería bien lo que queremos contar, es la historia de un país, no sólo la de una persona». Leer más >>

Barcelona ha sido la ciudad elegida para acoger la presentación europea de “El Caballero Oscuro”, la esperada secuela del Batman de Christopher Nolan que llegará a las salas españolas el próximo 13 de agosto precedida por el arrollador éxito de crítica y público cosechado en Estados Unidos. Tras la premiere que tuvo lugar ayer por la noche en el Cine Coliseum, esta mañana el propio director de la película, tres de sus principales estrellas —Christian Bale, Maggie Gyllenhaal y Aaron Eckhart— y el productor Charles Roven se han vuelto a reunir, lejos ya de los flashes de la alfombra roja, para ofrecer una rueda de prensa en el Hotel Arts. Considerando la expectación levantada y las circunstancias extracinematográficas que la rodeaban, se podría decir que su comparecencia ante los medios ha transcurrido de forma tranquila y distendida, al contrario de lo que quizás cabía imaginarse. Bale, el encargado de dar vida al Hombre Murciélago, ha asegurado ser el primer sorprendido por la acogida excepcionalmente entusiasta que ha recibido esta nueva entrega. «Nunca nos habíamos esperado el éxito que está teniendo. No tengo la capacidad para entender las razones de su triunfo. A veces he participado en otras películas que también me parecen buenas y que no ha visto nadie. Pero yo creo que lo que ha hecho Nolan ha sido reinventar el personaje y ofrecer una película espectacular que responde a las expectativas de los fans, con un gran drama, un gran componente épico y un gran guión. Y para mí Nolan es uno de los mejores directores que hay en el mundo».

Respecto a los motivos que explicarían el boom que están experimentando las adaptaciones de cómics en general, Roven ha especulado que tal vez «antes la temática de las películas hacía que la gente creyera que se trataba de algo trivial. Me parece que lo que ha ocurrido en los últimos años, con títulos como “Batman begins”, es que se ha producido un cambio de percepción. Ahora se hacen muchas películas que abordan temáticas muy amplias y, aunque todas tengan su origen en el cómic, pueden dar lugar a texturas muy ricas». Como era de esperar, una parte importante de las intervenciones ha girado en torno a la participación del desaparecido Heath Ledger, cuya muerte, en palabras de Nolan, no trastocó el proyecto original, al menos «no desde un punto de vista creativo. El dolor fue grande, y también la conmoción, pero sentimos la responsabilidad de sacar la película como originalmente se había definido, y tener en cuenta esa gran ejecución del personaje; darle al publico lo que realmente quería». En relación a esto último, el cineasta se ha deshecho en halagos hacia su interpretación del Joker, asegurando que fue el malogrado actor quien en realidad creó el personaje con sus numerosas aportaciones e ideas. «Casi todo se debe a Heath». Bale añadía que Ledger ha convertido el Joker en un auténtico icono, en «un personaje fascinante, otorgándole un perfil despiadado pero también muy inteligente, que siembra la destrucción pero que también dice grandes verdades sobre la hipocresía de la gente que abandona sus creencias». Leer más >>

Si hay un género en forma en España es el fantaterrorífico, no nos cansaremos de repetirlo. La última prueba de ello es “Eskalofrío”, presentada esta mañana en Madrid por parte de su director, Isidro Ortiz, que se ha acompañado de sus actores principales, Junio Valverde, Mar Sodupe, Roberto Enríquez y Blanca Suárez, así como de los productores Álvaro Agustín y Ramón Vidal. El realizador ha iniciado la charla con la prensa explicando el origen del proyecto: «todo empezó con una historia de Antonio Trashorras y David Muñoz titulada “Sangre”, una trama centrada en torno a un vampiro que entraba en contacto con otros de su raza; me gustó la idea del monstruo como víctima, ese pobre chico que no podía tener una vida normal. Era muy interesante poder indagar en la raíz racional del asunto, y este fue el punto de partida a partir del que empezó a trabajar Hernán Migoya para perfilar el guión». Se trata de un reparto que alterna nombres jóvenes con intérpretes más curtidos y experimentados, una mezcla «interesante e intensa», ha afirmado Ortiz. «Los chavales lo dan todo, trabajar con ellos aporta mucha vivacidad al rodaje. En este sentido es muy importante poder filmar en localizaciones naturales, aporta mucho más a la hora de reflejar instintos y sentimientos».

Junio Valverde, centro de todo lo que acontece en la trama desde su rol de Santi, ha confesado que «ha sido duro, un proceso complicado, con la meteorología en nuestra contra, con lluvia, frío, y un montón de inconvenientes que he tratado de aprovechar como recurso para aportar profundidad y veracidad a mi papel»; por su parte, Blanca Suárez no ha podido evitar mostrar su emoción a la hora de referirse a lo que esta experiencia ha supuesto para ella, al tratarse de su primer acercamiento al mundo del cine: «recuerdo que cuando llegué estaba histérica, porque además tenía que interpretar delante de un montón de extras, en una escena en el colegio. Luego me relajé, claro, y el resultado es muy especial para mí». Mientras los muchachos hacían estas declaraciones, Mar Sodupe, la madre de Santi en la ficción, les observaba sonriente. «Al final trataba a Junio como si fuera mi hijo verdaderamente —ha comentado—, hemos conectado estupendamente. Al estar todo el equipo en un pueblo tan pequeño ha sido inevitable que se creara un ambiente genial. Lo más duro, sin duda, satisfacer las exigencias de Isidro y cumplir sus expectativas», bromeaba. Finalmente, Roberto Enríquez ha hecho referencia a Antonio, el policía al que presta sus rasgos. «Es un tipo muy humano, alejado de los clichés del terror rural, aparece moderno, honesto y actual. Me gusta cómo interactúa con el resto, porque representa la aceptación de los extranjeros, de los extraños, en un entorno muy reticente a ello». Leer más >>

Esta mañana se ha presentado en Madrid lo último de uno de los grandes de la comedia norteamericana reciente, Steve Carell, que ha comparecido ante la prensa para presentar “Superagente 86 de película”, adaptación de la legendaria serie de televisión de los años sesenta. Para el acto se ha acompañado de dos colegas de reparto —Anne Hathaway y Dwayne Johnson, que interpretan a los Agentes 99 y 23, respectivamente—, así como del director de la cinta, Peter Segal, y el productor Charles Roven, encargado de abrir el fuego dando las razones por las que se ha llevado a cabo este proyecto: «tuve la enorme fortuna de crecer con este maravilloso serial —ha comentado—, pero lo cierto es que nunca había pensado en llevarlo a la gran pantalla. Pero cuando Warner me lo propuso, acepté sin reservas, más aún sabiendo que lo habían intentado en varias ocasiones». Tras las cámaras, todo un experto en la comedia, un Peter Segal que ha reconocido que este trabajo «ha sido un reto, sin duda, pero un reto divertidísimo. El listón estaba muy alto, porque en el precedente se encuentra un mito, Mel Brooks —creador de Maxwell Smart junto con Buck Henry—. Creo que nos hemos sentido como un niño en un mundo de golosinas». Lo cierto es que esta propuesta supone un giro laboral para muchos de los implicados, entre ellos la protagonista femenina, Anne Hathaway, a la que el espectador sitúa en papeles más delicados, y que aquí perfila un rol que le ha valido la catalogación de sex symbol: «bueno, tengo veinticinco años, y ahora resulta que mi repertorio es muy amplio; se pensaba que no encajaba en este tipo de producciones. Todo esto es inesperado, me siento muy halagada. Y en cuanto a las escenas más complicadas, he tenido mucha ayuda y mucho entrenamiento, pero a pesar de que dicen que estoy en forma, eso es muy relativo, teniendo en cuenta a quien tengo a mi lado…».

Ante estas palabras de su compañera ha tomado la palabra el popular Dwayne “The Rock” Johnson, ex-luchador de pressing catch reconvertido en exitoso actor en los últimos años. «Me encanta hacer comedia —ha confesado—. Quiero que mi carrera sea larga y longeva, tocar todos los géneros y temáticas posibles. Empecé en esto de manera inusual, así que he estudiado lo máximo posible en relación a la industria del cine y su funcionamiento; me fijo mucho en George Clooney o Tom Hanks, en su versatilidad y evolución. Son un poco mi ejemplo a seguir». Por su parte, Steve Carell, tan simpático como cabía esperar, ha explicado a los asistentes cuáles son las herramientas de todo buen espía: «básicamente, una navaja multiusos con lanzallamas. Aunque en vuestro caso —comentaba mientras rebuscaba bajo la mesa— debería ser suficiente con esto». En ese momento, ha levantado un balón de fútbol y un raqueta, referencias últimamente inevitables a los triunfos de los deportistas españoles en eventos deportivos tan relevantes como la Eurocopa o Roland Garros. Tras las consecuentes carcajadas de los presentes, ha comentado que tanto Mel Brooks como Leonard Stern —productor ejecutivo de la serie original— hablaron ampliamente con el equipo «acerca de en quién podría convertirse Maxwell Smart. Ellos le concebían como alguien inteligente y eficaz, no como un idiota, una persona que se tomaba muy en serio (quizá demasiado) lo que hacía». En cuanto a Don Adams, primer intérprete del personaje, ha tratado de «respetar su trabajo, pensar en cómo recoger lo mejor de su esencia sin copiarle. A todos nos encanta, y creo que esa es la mejor base para poder hacer un buen remake». Leer más >>

Tras haber recaudado más de tres millones de euros con su anterior largometraje, “El asombroso mundo de Borjamari y Pocholo”, y después de casi tres años de trabajo, regresa ahora a la gran pantalla y en solitario (aquél lo firmaba junto a Enrique López Lavigne) el director Juan Cavestany con su comedia atroz “Gente de mala calidad”, que se estrenará en nuestra cartelera el próximo 11 de julio. En defensa del film asistieron ayer lunes al photocall y a la posterior rueda de prensa Alberto San Juan, Javier Gutiérrez, Pilar Castro, Antonio Molero, Carmen Ruiz, Francesc Garrido y el productor Tomás Cimadevilla. La película nos cuenta la historia de Manuel, todo un perdedor que regresa a casa dispuesto a retomar la vida que dejó atrás, después de haber ejercido una temporada como gigoló de medio pelo en el extrarradio. El reencuentro con su ex novia, su familia y, sobre todo, sus amigos de toda la vida, coincide con la declaración del mayor incendio forestal ocurrido en España en los últimos veinte años. Una telaraña de tramas cruzadas de pasión desordenada, inercia, reproches, mentiras y otros ingredientes de “mala calidad”, en la que Manuel, inasequible al desaliento, trata de movilizar a sus amigos para ir como voluntarios a apagar el fuego.

En su cita con la prensa, Cavestany comenzó señalando que los productores del film le dieron «carta blanca para escribir lo que me apeteciera, y les propuse una historia muy extrema, en la que había un planteamiento de personajes sin aparente intención, que al final ha acabado siendo una comedia coral con una serie de tramas paralelas». También reconoció que «fue una experiencia curiosa porque la película se rodó de forma fragmentada, es decir, que los actores no coinciden salvo en una escena», que es la del tanatorio. El realizador y guionista considera que su último film «tiene un tono extraño pero uniforme con un humor amargo, raro, pero también tierno, con una mirada peculiar sobre los personajes». Hablando acerca del reparto, confesó haber escogido al actor Francesc Garrido «porque le había visto en “Mar adentro” y en “La silla”, una película que me impactó». Según la visión del propio Garrido, “Gente de mala calidad” versa sobre «un grupo de gente inacabada, con un montón de teóricos problemas por solucionar, con un principio de falta de relación entre ellos, con la familia, el trabajo, etcétera». Leer más >>