Noticias de cine

Apuramos los últimos días del año, en los que el ritmo de presentaciones parece no cesar. Esta mañana hemos conocido a Marcos Jorge, director de la exitosísima “Estómago”, título con el que se llevó en la última Seminci la Espiga de Oro a la Mejor Película, así como los premios al Mejor Actor, al Mejor Director Novel y el Premio del Jurado Joven. Tras manifestar lo complicado que le resultaba presentar su film a un público nuevo, ha explicado el origen de este proyecto: «la génesis está en un relato de Lusa Silvestre acerca de una persona que cocina en la cárcel. Cuando recibí el texto, inmediatamente nos pusimos manos a la obra, porque me fascinó el tema del poder de lo culinario». Lo cierto es que la gastronomía es una de las obsesiones del realizador, «y un director ha de reflejar estas cosas en su trabajo. Otro de mis temas favoritos es la cosmología, a la que espero dedicar en breve un film; de hecho, estaba embarcado en un proyecto sobre esta cuestión cuando Lusa me pasó su cuento. Además, me encanta el hecho de que se centra en la baja culinaria, no en las delicatessen. Y es la primera cinta que habla sobre la gastronomía en Brasil».

Sorprende la elaboración y planificación de la película, máxime para tratarse de una ópera prima. «Todo está muy pensado, casi al detalle ─ha comentado el cineasta─. Creo que plasmo mucho de mi experiencia italiana, donde viví diez años y estudié cine. Lo hemos dispuesto todo con mucha atención, con la idea de trasladar al espectador las experiencias que viven los protagonistas». Y por supuesto, hay una parte importante de reflejo del orden social del país carioca: «es evidente, pero no pretendemos aportar un enfoque paternalista, sino demostrar la capacidad del individuo para liberar sus cadenas mediante su talento». Es, en definitiva, una «diatriba no ingenua, como ha logrado captar la crítica española, algo que me halaga y me satisface enormemente». Algo que ha sorprendido a Marcos Jorge es la recepción que ha tenido la propuesta en Brasil, donde se ha convertido en la cuarta película más vista este año, además de hacerse con cuatro galardones en el Festival de Río de Janeiro, entre ellos los de Mejor Película y Mejor Actor. Leer más »

Una vez vistas todas las películas de esta 53ª edición de la Seminci, puede haber llegado el momento de sacar unas conclusiones y hacer un pequeño pronóstico de lo que el palmarés nos puede dejar. Como ya se ha dicho en el artículo previo y en las crónicas diarias, la primera Semana de Javier Angulo tenía un claro carácter europeo y especialmente español, sin cintas provenientes de los grandes festivales ni películas orientales, y también suponía una apuesta por bastantes nuevos directores que despertaban muchas incógnitas junto con otros ya consagrados que daban más seguridad a la programación. Por otra parte, mucho drama con la enfermedad y la muerte por medio, unas miradas a la realidad social y alguna que otra a la memoria histórica (rigurosa en el caso danés, sesgada en el nuestro). Cuatro meses de preparación para un nuevo director que arriesgó e intentó dar señales de cambio –otra cosa es que lo haya “vendido” bien–, que se apoyó en muchos amigos y contó con su presencia en el festival para afirmar el cine español, y que tuvo que sufrir los eternos problemas de una organización mejorable y que suscita repetidas quejas. Los ciclos de Gonzalo Suárez y de Marco Ferreri-Rafael Azcona no despertaron al final mucho interés, y sí en cambio el que hermanaba a Bo Widerberg con Shohei Imamura “contra sus padres”. Menos cortometrajes de lo habitual y unos documentales y películas en la sección paralela que no llamaron excesivamente la atención.

Pero centrándonos en la Sección Oficial, hay que decir que el nivel de las propuestas presentadas ha sido, al menos, aceptable y en algún caso muy honroso. Es cierto que cuesta entender la inclusión de algunas de calidad más que dudosa como “Dr. Alemán”, “El frasco”, “Villa” o “La mujer del anarquista”, pero en cambio ha habido gratas sorpresas como “Una cierta verdad” —visión muy interesante sobre los enfermos de esquizofrenia, aunque quizá por ser documental se vaya sin nada—, “The loss of a teardrop diamond” –Tennessee Williams aunque sin sus atmósferas asfixiantes, por lo que alguno ha dicho que se queda en lo superficial del dramaturgo–, o las danesas “Flammen & Citronen” –más que correcto guión e interpretaciones con fuerza para los héroes partisanos– y “Frygtelig lykkelig” –negrísimo pero bien construido thriller independiente–. Las cuatro podrían llevarse algún premio, aunque casi todas las papeletas las tienen, en mi opinión, otras cintas que parten con ventaja: “Cerezos en flor”, exquisito retrato interior de padres e hijos, lo mismo que “La ventana” de Carlos Sorin, dos propuestas llenas de sensibilidad y de sutilidad en las formas al transmitir los sentimientos de sus personajes; pero quizá la película más completa y redonda sea “Maria Larssons eviga ögonblick” del sueco Jan Troell, que se podría llevar la Espiga de Oro y algunos premios más como los de fotografía o mejor actriz. Atom Egoyan no defraudó para seguir hablándonos de tolerancia en una nueva búsqueda de identidad personal y recorriendo formas cinematográficas tan sugerentes como arduas para el espectador: la crítica podría darle su respaldo porque calidad no le falta, pero dudamos que sea la gran triunfadora. Y la recuperación de la memoria que Helena Taberna pretende hacer en su cruzada contra la Iglesia podría llevarse el premio a la mejor banda sonora de Ángel Illarramendi, lo mejor de una cinta, “La buena nueva”, que navega con el viento a favor de lo políticamente correcto. Entre el público, parece que la española “Retorno a Hansala” gustó mucho y se disputará el premio con “Estómago”, producción brasileña que a quien esto escribe no llegó a convencer. Leer más »

Aunque es la tónica dominante de esta edición de la Seminci, durante el miércoles la primacía de lo hispano fue ya absoluta: las tres propuestas de la Sección Oficial hablaban español, y también casi la totalidad de los otros ciclos organizados. A primera hora, el uruguayo Rodrigo Plá abrió con “Desierto adentro”, un plato fuerte sobre la culpa y la redención, ambientada en el México de los años treinta y cuarenta. Entonces, en plena guerra y persecución religiosa, Elías ha puesto en peligro la vida de toda la comunidad creyente, que acaba siendo masacrada. Su conciencia de culpa y de tener que pagar por ello en sus hijos será el comienzo de un calvario del que intentará salir para recuperar la paz. Articulada en cuatro episodios –culpa, penitencia, señal de Dios y perdón que no llega–, la historia brota del recuerdo de Aureliano, el hijo pequeño de Elías nacido con la culpa –en su parto murió la madre– y que se encuentra aislado del exterior por una enfermedad, haciendo siempre dibujos de su entorno.

Su mirada será la del director a la hora de acercarse a un modo de vivir la religiosidad desde la angustia y el temor, desde la culpa personal y la necesidad de recuperar la fe en Dios a través de la construcción de una iglesia. Es la visión negativa y sin libertad de un Elías que vive de cierto fanatismo y que se ahoga en su “desierto interior”: es la misma tragedia que el espectador respira y que le asfixia hasta no poder degustar la película porque se hace un poco pesada, demasiado seria y grave, excesivamente… unamuniana o pelagiana (o bergmaniana al modo mexicano). Su factura es realista y la ambientación está conseguida, el guión equilibrado transita bien desde el recuerdo infantil hasta la cruda realidad –con transiciones del dibujo a planos del rodaje–, y las interpretaciones tienen fuerza y resultan convincentes. Como hemos dicho, la pega es que estamos ante una cinta muy densa y ardua, como un largo desierto por el que andar. Leer más »

Afortunadamente hemos encontrado una nueva joya en la Seminci, la misma que perdió Fisher Willow al llegar a una fiesta de alta sociedad en el sur de los Estados Unidos. Son los años veinte en una plantación del Mississippi y una joven caprichosa y vanidosa que vuelve de Europa contrata al atractivo Jimmy (Chris Evans) –que trabaja en la hacienda de su padre– para alardear frente a sus amigas cuando vaya a las fiestas. Acostumbrada a tener todo lo que se propone, quiere conseguir también su afecto, pero se encuentra a un hombre honesto y de principios que no está dispuesto a dejarse enredar en su tela de araña, menos aún cuando ella pierde un pendiente de gran valor. Este es el marco de “The loss of a teardrop diamond” (“La pérdida de un diamante lágrima”), primera película de Jodie Markell, con guión de Tennessee Williams y que cuenta con Bryce Dallas Howard como protagonista indiscutible. No se encuentran ya guiones como el de Tennessee, que no da puntada sin hilo al radiografiar una sociedad intolerante, cerrada y que vive de las apariencias. Cada personaje y situación están medidos con precisión y se apuntan mil detalles para reflejar el orgullo y las diferencias de clase de esa sociedad sureña, con un matizado retrato de caracteres que muestran la prepotencia, los celos y también la honestidad de algunos de sus personajes.

Fisher tiene que madurar porque lleva toda su vida huyendo de sí misma, escondida en sus riquezas, y solo la solidez moral de Jimmy y el enfrentamiento a la muerte de la anciana Miss Addie (Ellen Burstyn) la hacen despertar y renunciar a su orgullo y encontrar otro diamante para la vida. Una película independiente, muy bien ambientada y con un diseño artístico de altos vuelos, con una Bryce Dallas que mejora incluso sus papeles anteriores para trasladarnos a una mentalidad de otra época y recordarnos a las heroínas de las adaptaciones teatrales del famoso dramaturgo estadounidense. Sin duda, se trata de un gran largometraje a pesar de ser una ópera prima, y sabe integrar ese clima social de los años veinte con el vivido por el guionista en los cincuenta. En la rueda de prensa, Jodie Markell habló de su intención de recuperar el espíritu y la esencia de Tennessee Williams al realizar la adaptación cinematográfica de un texto suyo –han pasado cuarenta años desde la última– porque su mensaje tiene actualidad en estos momentos de crisis de valores, intolerancia y corrupción en la sociedad. También incidió en el sentido metafórico de la luz en algunas escenas clave, y en la herencia recibida del cine de Elia Kazan y Martin Scorsese o de “El ángel exterminador” de Luis Buñuel, autores en los que se inspiró para su película. Leer más »

La protagonista de la popular serie de televisión “O.C.” continúa afianzando su carrera en la gran pantalla después de participar recientemente en “The last kiss (El último beso)”, “Jumper” y el largometraje colectivo “New York, I love you”. De acuerdo con Variety.com, a finales de este mismo mes Rachel Bilson se embarcará en la filmación de una cinta romántica de corte independiente titulada “Waiting for forever” que tendrá en la dirección al televisivo James Keach, siendo Steve Adams (“Envidia”) el autor de su guión. Esta historia se centrará en un joven que decide pasar el resto de la vida con su amor, una actriz de televisión que vive en Hollywood.

Por otro lado, el mismo medio publica que el director Stephen Hopkins (“La cosecha”, “Llámame Peter”, “Bajo sospecha”, “Perdidos en el espacio”, la serie “24″) ha decidido probar suerte en la comedia romántica con “Chasing bohemia”, una película que sacará adelante a través de su nueva compañía con sede en Brasil GreenGo Productions. El guión de Laura Malin llevará al cine un libro de la autora australiana Carmen Michael en el que se nos relatan sus experiencias en Río de Janeiro. El rodaje dará comienzo en dicha ciudad a mediados del año que viene con la brasileña Total Film coproduciendo. GreenGo también planea desarrollar un remake en inglés de la premiada cinta brasileña de Marcos Jorge “Estômago” que el propio Jorge ha de dirigir.

En la imagen: Rachel Bilson en “Jumper” © 2008 Hispano Foxfilm. Todos los derechos reservados. Stephen Hopkins en el rodaje de “La cosecha” © 2007 Warner Bros. Pictures International España. Todos los derechos reservados.