Noticias de cine

Una vez vistas todas las películas de esta 53ª edición de la Seminci, puede haber llegado el momento de sacar unas conclusiones y hacer un pequeño pronóstico de lo que el palmarés nos puede dejar. Como ya se ha dicho en el artículo previo y en las crónicas diarias, la primera Semana de Javier Angulo tenía un claro carácter europeo y especialmente español, sin cintas provenientes de los grandes festivales ni películas orientales, y también suponía una apuesta por bastantes nuevos directores que despertaban muchas incógnitas junto con otros ya consagrados que daban más seguridad a la programación. Por otra parte, mucho drama con la enfermedad y la muerte por medio, unas miradas a la realidad social y alguna que otra a la memoria histórica (rigurosa en el caso danés, sesgada en el nuestro). Cuatro meses de preparación para un nuevo director que arriesgó e intentó dar señales de cambio –otra cosa es que lo haya “vendido” bien–, que se apoyó en muchos amigos y contó con su presencia en el festival para afirmar el cine español, y que tuvo que sufrir los eternos problemas de una organización mejorable y que suscita repetidas quejas. Los ciclos de Gonzalo Suárez y de Marco Ferreri-Rafael Azcona no despertaron al final mucho interés, y sí en cambio el que hermanaba a Bo Widerberg con Shohei Imamura “contra sus padres”. Menos cortometrajes de lo habitual y unos documentales y películas en la sección paralela que no llamaron excesivamente la atención.

Pero centrándonos en la Sección Oficial, hay que decir que el nivel de las propuestas presentadas ha sido, al menos, aceptable y en algún caso muy honroso. Es cierto que cuesta entender la inclusión de algunas de calidad más que dudosa como “Dr. Alemán”, “El frasco”, “Villa” o “La mujer del anarquista”, pero en cambio ha habido gratas sorpresas como “Una cierta verdad” —visión muy interesante sobre los enfermos de esquizofrenia, aunque quizá por ser documental se vaya sin nada—, “The loss of a teardrop diamond” –Tennessee Williams aunque sin sus atmósferas asfixiantes, por lo que alguno ha dicho que se queda en lo superficial del dramaturgo–, o las danesas “Flammen & Citronen” –más que correcto guión e interpretaciones con fuerza para los héroes partisanos– y “Frygtelig lykkelig” –negrísimo pero bien construido thriller independiente–. Las cuatro podrían llevarse algún premio, aunque casi todas las papeletas las tienen, en mi opinión, otras cintas que parten con ventaja: “Cerezos en flor”, exquisito retrato interior de padres e hijos, lo mismo que “La ventana” de Carlos Sorin, dos propuestas llenas de sensibilidad y de sutilidad en las formas al transmitir los sentimientos de sus personajes; pero quizá la película más completa y redonda sea “Maria Larssons eviga ögonblick” del sueco Jan Troell, que se podría llevar la Espiga de Oro y algunos premios más como los de fotografía o mejor actriz. Atom Egoyan no defraudó para seguir hablándonos de tolerancia en una nueva búsqueda de identidad personal y recorriendo formas cinematográficas tan sugerentes como arduas para el espectador: la crítica podría darle su respaldo porque calidad no le falta, pero dudamos que sea la gran triunfadora. Y la recuperación de la memoria que Helena Taberna pretende hacer en su cruzada contra la Iglesia podría llevarse el premio a la mejor banda sonora de Ángel Illarramendi, lo mejor de una cinta, “La buena nueva”, que navega con el viento a favor de lo políticamente correcto. Entre el público, parece que la española “Retorno a Hansala” gustó mucho y se disputará el premio con “Estómago”, producción brasileña que a quien esto escribe no llegó a convencer. Leer más »

Afortunadamente hemos encontrado una nueva joya en la Seminci, la misma que perdió Fisher Willow al llegar a una fiesta de alta sociedad en el sur de los Estados Unidos. Son los años veinte en una plantación del Mississippi y una joven caprichosa y vanidosa que vuelve de Europa contrata al atractivo Jimmy (Chris Evans) –que trabaja en la hacienda de su padre– para alardear frente a sus amigas cuando vaya a las fiestas. Acostumbrada a tener todo lo que se propone, quiere conseguir también su afecto, pero se encuentra a un hombre honesto y de principios que no está dispuesto a dejarse enredar en su tela de araña, menos aún cuando ella pierde un pendiente de gran valor. Este es el marco de “The loss of a teardrop diamond” (“La pérdida de un diamante lágrima”), primera película de Jodie Markell, con guión de Tennessee Williams y que cuenta con Bryce Dallas Howard como protagonista indiscutible. No se encuentran ya guiones como el de Tennessee, que no da puntada sin hilo al radiografiar una sociedad intolerante, cerrada y que vive de las apariencias. Cada personaje y situación están medidos con precisión y se apuntan mil detalles para reflejar el orgullo y las diferencias de clase de esa sociedad sureña, con un matizado retrato de caracteres que muestran la prepotencia, los celos y también la honestidad de algunos de sus personajes.

Fisher tiene que madurar porque lleva toda su vida huyendo de sí misma, escondida en sus riquezas, y solo la solidez moral de Jimmy y el enfrentamiento a la muerte de la anciana Miss Addie (Ellen Burstyn) la hacen despertar y renunciar a su orgullo y encontrar otro diamante para la vida. Una película independiente, muy bien ambientada y con un diseño artístico de altos vuelos, con una Bryce Dallas que mejora incluso sus papeles anteriores para trasladarnos a una mentalidad de otra época y recordarnos a las heroínas de las adaptaciones teatrales del famoso dramaturgo estadounidense. Sin duda, se trata de un gran largometraje a pesar de ser una ópera prima, y sabe integrar ese clima social de los años veinte con el vivido por el guionista en los cincuenta. En la rueda de prensa, Jodie Markell habló de su intención de recuperar el espíritu y la esencia de Tennessee Williams al realizar la adaptación cinematográfica de un texto suyo –han pasado cuarenta años desde la última– porque su mensaje tiene actualidad en estos momentos de crisis de valores, intolerancia y corrupción en la sociedad. También incidió en el sentido metafórico de la luz en algunas escenas clave, y en la herencia recibida del cine de Elia Kazan y Martin Scorsese o de “El ángel exterminador” de Luis Buñuel, autores en los que se inspiró para su película. Leer más »

La persona de Juan Carlos Frugone ya es historia en la Seminci. Su anunciada caída —la enfermedad del festival era dramática e incluso agónica— se consumó con polémica y su dimisión en la pasada primavera dejaba al nuevo director el reto de preparar la 53ª edición en un tiempo récord, como ya le sucediera a él mismo hace tres años. Javier Angulo fue el elegido: llegaba tras años de experiencia como periodista en el diario El País, después de ser fundador y director de Cinemanía o colaborador del Festival de Cine Español de Málaga. Desde el inicio, declaró su voluntad de mantener la tradición de la Semana como festival del cine de autor, a la vez que anunciaba algunos cambios que comenzarían en este año “de transición”, aunque hasta la próxima edición no se viera el festival que él quiere. Buenas relaciones con los medios y algunas imprudentes declaraciones ideológico-políticas —acusó a Aznar y al PP de todos los males del cine español, siendo este partido quien le ha puesto en el cargo—, de las que después se ha retractado y pedido disculpas. Al margen de sus opiniones políticas, lo que esperan los amantes del cine es una buena programación, y será valorado por ello y no por deslices como el mencionado. De momento, ha confeccionado una Sección Oficial novedosa, desconcertante y también equilibrada, con algunos cineastas consagrados como Atom Egoyan —que acumula tres Espigas hasta la fecha—, Amos Gitai —a quien se le dedicó un ciclo en la 49ª Seminci—, Mika Kaurismaki o Carlos Sorin, junto a un buen grupo de autores noveles —hasta cinco filmes en competición son óperas primas—: todo eso deja ver su empeño por asumir riesgos y retomar la “vocación descubridora” de la Semana; ahora habrá que esperar resultados. Leer más »

El Festival de Cinema Independent de Barcelona, L’Alternativa, se prepara para celebrar una nueva cita con lo más destacado del cine internacional alejado de los circuitos comerciales; un espacio desde el que se pretende ofrecer perspectivas del mundo desde diferentes prismas y proseguir con la búsqueda de nuevos lenguajes. Su edición número 15, que destaca por su alta participación —con más de 2.200 películas presentadas a concurso—, se desarrollará entre los días 14 y 22 de noviembre a través de sus distintas sedes: el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona, los Cines Maldà, FNAC-Triangle, Institut Francès, Casa América y el Auditorio del MACBA. Este año la organización del certamen apuesta por la potente Sección Oficial, con un mayor número de títulos a concurso —80 producciones procedentes de 34 países—, a las que se suman las habituales Secciones Paralelas, con muestras dedicadas a los creadores más jóvenes (Escuelas del Cine del Mundo, Pantalla Libre), secciones retrospectivas y homenajes a directores imprescindibles para la Historia del Cine.

L’Alternativa cuenta con cuatro Secciones Competitivas —Cortometraje, Largometraje, Animación y Documental—, siendo esta vez la dotación en premios a repartir —14.000 euros— superior a la de la edición previa. Además, los espectadores concederán el Premio del Público y se entregará el Premio Avid al Mejor Filme Español. Como novedad, este año destaca el Premio TeleSur al Mejor Documental, dotado con 5.000 dólares y destinado a obras que aborden alguna temática latinoamericana. Entre los ciclos y retrospectivas anunciados se incluyen los consagrados al cineasta y músico Tony Gatlif, cuya filmografía se ha distinguido por su defensa de las minorías y la cosmovisión del Pueblo Gitano; a los hermanos Paolo y Vittorio Taviani, contemporáneos en la década dorada del cine italiano de los 60 de figuras como Fellini, Pasolini o Ferreri; y al reputado director alemán de documentales Andres Veiel. Asimismo, cabe señalar que Pantalla Hall, un espacio donde se intercalan proyecciones de películas con las presentaciones respectivas de los cineastas, distribuidores y programadores, ofrecerá cuatro horas de intensa programación diaria gratuita.

En la imagen: Cartel y detalle de la web del 15º Festival de Cine Independiente de Barcelona, L’Alternativa - Copyright © 2008 L’Alternativa. Todos los derechos reservados.

Y España se ha quedado sin uno de los grandes guionistas, si no el mejor, de su Historia. ¿Qué se puede decir, acaso, de un señor que empezó en esto del cine en los 60 colaborando con otros dos magníficos como Marco Ferreri y Luis García Berlanga, y pariendo cuatro obras maestras como cuatro soles —a saber: “El pisito”, “El cochecito”, “Plácido” y “El verdugo”—, y que durante los últimos años había continuado cosechando éxitos con películas como “El bosque animado” y “La lengua de las mariposas” de José Luis Cuerda, “¡Ay, Carmela!” de Carlos Saura, o “Belle epoque” y “La niña de tus ojos” de Fernando Trueba?

Con su última colaboración con Cuerda todavía pendiente de estreno, “Los girasoles ciegos”, el maestro Rafael Azcona nos dejaba ayer en Madrid a los 81 años víctima de un cáncer de pulmón. La noticia se ha dado a conocer hoy mismo, coincidiendo prácticamente con su incineración en la más estricta intimidad. Seis décadas de carrera ininterrumpida, casi cien guiones a sus espaldas —muchos de ellos nacidos de sus propias historias o novelas— y un destacado número de reconocimientos internacionales —entre ellos, seis Goyas—, aunque nunca suficientes, son el legado numérico de este genio logroñés que fue requerido asimismo por el cine francés y el italiano, y que elevó el panorama nacional a unas cotas de calidad difíciles de repetir gracias a su talento para la radiografía social y la crítica política en clave satírica. Luto grande.

En la imagen: Rafael Azcona en una fotografía de su web oficial © Copyright Rafael Azcona. Todos los derechos reservados.

El diseño de la programación que el Festival puede controlar se encuentra en las secciones que no dependen de la producción del año. Por eso, es en los ciclos, retrospectivas y actividades paralelas que se organicen, donde muchas veces se puede ofrecer un ramillete de buen cine. Para empezar, Juan Carlos Frugone ha decidido dar espacio a 16 películas producidas por el italiano Alberto Grimaldi, sin duda una figura de relieve internacional, y cuya presencia en Valladolid irá acompañada de la edición de un libro que estudiará su trabajo. Es la oportunidad para reunir obras de ilustres directores —en su etapa y versión más polémica y provocadora, en ocasiones—. Entre otras veremos dos western dirigidos por Sergio Leone (”La muerte tenía un precio” y “El bueno, el feo y el malo”), dos películas de Bernardo Bertolucci (”Novecento” y “El último tango en París”), tres del gran Federico Fellini (”Satyricon” y “Casanova”, además de un episodio de “Historias extraordinarias”), y otras tres del mítico Pier Paolo Pasolini (”Los cuentos de Canterbury”, “Las mil y una noches” y “El Decamerón”), además de otras de Marco Ferreri, Gillo Pontecorvo, Francesco Rosi, e incluso del español José Luis Borau.

Los diseños de vestuario del cine español también merecían su ciclo, a juicio de Frugone, quien además ha organizado una exposición con algunas de esas prendas y la publicación de un volumen ilustrado. En cuanto a las 18 películas escogidas, han sido agrupadas a razón de dos por diseñador, entre los que podemos destacar a Pedro Moreno (”El perro del hortelano”), Lala Huete (”La niña de tus ojos”), Gumersindo Andrés (”El abuelo”), Yvonne Blake (”Remando al viento”), José María de Cossío (”Mujeres al borde de un ataque de nervios”) o Sonia Grande (“La lengua de las mariposas”).

Al cine lo llevan a los tribunales en el ciclo Cine a Juicio, para revisar clásicos como “La costilla de Adán” (George Cukor), “Doce hombres sin piedad” (Sidney Lumet), “Testigo de cargo” (Billy Wilder), “¿Vencedores o vencidos?” (Stanley Kramer), “Matar a un ruiseñor” (Robert Mulligan) o “Anatomía de un asesinato” (Otto Preminger), hasta un total de 12 títulos. Nada que objetar a los largometrajes seleccionados para estos ciclos porque su calidad ha soportado el paso del tiempo y de la crítica. Pero son películas que en cualquier momento se pueden ver, elegidas para conformar un ciclo fácil que no exige excesiva perspicacia. En definitiva, que de un Festival puntero se espera una mayor originalidad y no ciclos cómodos que podría organizar cualquier agrupación cultural.

Por último diremos que la Seminci se completa con la habitual sección Spanish Cinema —pensada para la prensa y espectadores extranjeros—, con los estrenos españoles del año de mayor calidad o repercusión, y donde estarán cintas como “La soledad” (Jaime Rosales), “La noche de los girasoles” (Jorge Sánchez-Cabezudo) o “Bajo las estrellas” (Félix Viscarret). Y como escuelas de cine invitadas, estarán la ESCAC barcelonesa y la ECAM madrileña con sus proyectos y prácticas del último año.

En las imágenes: Fragmento de cartel de “La muerte tenía un precio” © 1965 Produzioni Europee Associati, Arturo González PC y Constantin Film Production. Todos los derechos reservados. Fragmento de cartel de “El bueno, el feo y el malo” © 1966 Produzioni Europee Associati, Arturo González PC y Constantin Film Production. Todos los derechos reservados. Fotograma de “La soledad” © 2007 Wanda Visión, Fresdeval Films e In Vitro Films. Distribuida en España por Wanda Visión. Todos los derechos reservados.

• 52ª Seminci. Introducción (III): Secundarios que podrían ser principales
• 52ª Seminci. Introducción (II): Parrilla de salida
• 52ª Seminci. Introducción (I): Momentos de marejada