Noticias de cine

No sólo no era la producción que partía como favorita —al menos en cuanto a número de nominaciones se refiere—, sino que, de hecho, “Los girasoles ciegos” doblaba sus opciones a premio y, a priori, parecía tener garantizado el beneficio de la Academia. Sin embargo, las tornas se han girado a su favor, y “Camino” ha acabado proclamándose la gran triunfadora de la 23ª edición de los Premios Goya al ganar en seis de las siete categorías para las que era candidata: Mejor Película, Mejor Dirección y Mejor Guión Original (Javier Fesser), Mejor Interpretación Femenina Protagonista (Carme Elías), Mejor Interpretación Masculina de Reparto (Jordi Dauder) y Mejor Actriz Revelación (Nerea Camacho).

Ante semejante goleada, el largometraje escrito por José Luis Cuerda y Rafael Azcona ha tenido que conformarse con un único reconocimiento destacado, el de Mejor Guión Adaptado, que, no obstante, no le ha servido para librarse de ser considerada la gran derrotada de la noche. Peor suerte ha corrido “Sólo quiero caminar”: de sus once candidaturas tan sólo ha dado fruto la de Mejor Fotografía (Paco Femenía). La segunda afortunada ha sido, sin lugar a dudas, “El truco del manco”. Esta cinta de Santiago A. Zannou se convirtió en la revelación del pasado Festival de San Sebastián, y así se ha visto reflejado en su cosecha de galardones, haciendo pleno con tres de tres: Mejor Dirección Novel, Mejor Actor Revelación (Juan Manuel Montilla ‘El Langui’) y Mejor Canción. Leer más »

El Festival de Cine Iberoamericano de Huelva ha sido el escenario elegido para acoger el estreno de la película “Esperpentos”, de José Luis García Sánchez, en la gala de inauguración del certamen, el próximo 15 de noviembre. El film, que también competirá en la Sección Oficial a Concurso, es una adaptación de la trilogía “Martes de Carnaval”, de Ramón María del Valle-Inclán, con guión del propio director y del desaparecido Rafael Azcona, quien será homenajeado en la presente edición del certamen.

Don Manolito y don Estrafalario son el hilo conductor de la historia, ambientada entre 1928 y 1931, los convulsos años que van desde la dictadura de Primo de Rivera a la proclamación de la II República. Los dos son admiradores de Valle-Inclán, por lo que siguen las pistas de sus piezas teatrales, prohibidas por orden del Gobierno. El encuentro de una lectura del autor, su presencia en una de las escasas representaciones teatrales que había en la época y la oportunidad de asistir al rodaje de la primera cinta basada en una obra del dramaturgo son algunos de los episodios que se narran. Leer más »

Una vez vistas todas las películas de esta 53ª edición de la Seminci, puede haber llegado el momento de sacar unas conclusiones y hacer un pequeño pronóstico de lo que el palmarés nos puede dejar. Como ya se ha dicho en el artículo previo y en las crónicas diarias, la primera Semana de Javier Angulo tenía un claro carácter europeo y especialmente español, sin cintas provenientes de los grandes festivales ni películas orientales, y también suponía una apuesta por bastantes nuevos directores que despertaban muchas incógnitas junto con otros ya consagrados que daban más seguridad a la programación. Por otra parte, mucho drama con la enfermedad y la muerte por medio, unas miradas a la realidad social y alguna que otra a la memoria histórica (rigurosa en el caso danés, sesgada en el nuestro). Cuatro meses de preparación para un nuevo director que arriesgó e intentó dar señales de cambio –otra cosa es que lo haya “vendido” bien–, que se apoyó en muchos amigos y contó con su presencia en el festival para afirmar el cine español, y que tuvo que sufrir los eternos problemas de una organización mejorable y que suscita repetidas quejas. Los ciclos de Gonzalo Suárez y de Marco Ferreri-Rafael Azcona no despertaron al final mucho interés, y sí en cambio el que hermanaba a Bo Widerberg con Shohei Imamura “contra sus padres”. Menos cortometrajes de lo habitual y unos documentales y películas en la sección paralela que no llamaron excesivamente la atención.

Pero centrándonos en la Sección Oficial, hay que decir que el nivel de las propuestas presentadas ha sido, al menos, aceptable y en algún caso muy honroso. Es cierto que cuesta entender la inclusión de algunas de calidad más que dudosa como “Dr. Alemán”, “El frasco”, “Villa” o “La mujer del anarquista”, pero en cambio ha habido gratas sorpresas como “Una cierta verdad” —visión muy interesante sobre los enfermos de esquizofrenia, aunque quizá por ser documental se vaya sin nada—, “The loss of a teardrop diamond” –Tennessee Williams aunque sin sus atmósferas asfixiantes, por lo que alguno ha dicho que se queda en lo superficial del dramaturgo–, o las danesas “Flammen & Citronen” –más que correcto guión e interpretaciones con fuerza para los héroes partisanos– y “Frygtelig lykkelig” –negrísimo pero bien construido thriller independiente–. Las cuatro podrían llevarse algún premio, aunque casi todas las papeletas las tienen, en mi opinión, otras cintas que parten con ventaja: “Cerezos en flor”, exquisito retrato interior de padres e hijos, lo mismo que “La ventana” de Carlos Sorin, dos propuestas llenas de sensibilidad y de sutilidad en las formas al transmitir los sentimientos de sus personajes; pero quizá la película más completa y redonda sea “Maria Larssons eviga ögonblick” del sueco Jan Troell, que se podría llevar la Espiga de Oro y algunos premios más como los de fotografía o mejor actriz. Atom Egoyan no defraudó para seguir hablándonos de tolerancia en una nueva búsqueda de identidad personal y recorriendo formas cinematográficas tan sugerentes como arduas para el espectador: la crítica podría darle su respaldo porque calidad no le falta, pero dudamos que sea la gran triunfadora. Y la recuperación de la memoria que Helena Taberna pretende hacer en su cruzada contra la Iglesia podría llevarse el premio a la mejor banda sonora de Ángel Illarramendi, lo mejor de una cinta, “La buena nueva”, que navega con el viento a favor de lo políticamente correcto. Entre el público, parece que la española “Retorno a Hansala” gustó mucho y se disputará el premio con “Estómago”, producción brasileña que a quien esto escribe no llegó a convencer. Leer más »

Afortunadamente hemos encontrado una nueva joya en la Seminci, la misma que perdió Fisher Willow al llegar a una fiesta de alta sociedad en el sur de los Estados Unidos. Son los años veinte en una plantación del Mississippi y una joven caprichosa y vanidosa que vuelve de Europa contrata al atractivo Jimmy (Chris Evans) –que trabaja en la hacienda de su padre– para alardear frente a sus amigas cuando vaya a las fiestas. Acostumbrada a tener todo lo que se propone, quiere conseguir también su afecto, pero se encuentra a un hombre honesto y de principios que no está dispuesto a dejarse enredar en su tela de araña, menos aún cuando ella pierde un pendiente de gran valor. Este es el marco de “The loss of a teardrop diamond” (“La pérdida de un diamante lágrima”), primera película de Jodie Markell, con guión de Tennessee Williams y que cuenta con Bryce Dallas Howard como protagonista indiscutible. No se encuentran ya guiones como el de Tennessee, que no da puntada sin hilo al radiografiar una sociedad intolerante, cerrada y que vive de las apariencias. Cada personaje y situación están medidos con precisión y se apuntan mil detalles para reflejar el orgullo y las diferencias de clase de esa sociedad sureña, con un matizado retrato de caracteres que muestran la prepotencia, los celos y también la honestidad de algunos de sus personajes.

Fisher tiene que madurar porque lleva toda su vida huyendo de sí misma, escondida en sus riquezas, y solo la solidez moral de Jimmy y el enfrentamiento a la muerte de la anciana Miss Addie (Ellen Burstyn) la hacen despertar y renunciar a su orgullo y encontrar otro diamante para la vida. Una película independiente, muy bien ambientada y con un diseño artístico de altos vuelos, con una Bryce Dallas que mejora incluso sus papeles anteriores para trasladarnos a una mentalidad de otra época y recordarnos a las heroínas de las adaptaciones teatrales del famoso dramaturgo estadounidense. Sin duda, se trata de un gran largometraje a pesar de ser una ópera prima, y sabe integrar ese clima social de los años veinte con el vivido por el guionista en los cincuenta. En la rueda de prensa, Jodie Markell habló de su intención de recuperar el espíritu y la esencia de Tennessee Williams al realizar la adaptación cinematográfica de un texto suyo –han pasado cuarenta años desde la última– porque su mensaje tiene actualidad en estos momentos de crisis de valores, intolerancia y corrupción en la sociedad. También incidió en el sentido metafórico de la luz en algunas escenas clave, y en la herencia recibida del cine de Elia Kazan y Martin Scorsese o de “El ángel exterminador” de Luis Buñuel, autores en los que se inspiró para su película. Leer más »

La persona de Juan Carlos Frugone ya es historia en la Seminci. Su anunciada caída —la enfermedad del festival era dramática e incluso agónica— se consumó con polémica y su dimisión en la pasada primavera dejaba al nuevo director el reto de preparar la 53ª edición en un tiempo récord, como ya le sucediera a él mismo hace tres años. Javier Angulo fue el elegido: llegaba tras años de experiencia como periodista en el diario El País, después de ser fundador y director de Cinemanía o colaborador del Festival de Cine Español de Málaga. Desde el inicio, declaró su voluntad de mantener la tradición de la Semana como festival del cine de autor, a la vez que anunciaba algunos cambios que comenzarían en este año “de transición”, aunque hasta la próxima edición no se viera el festival que él quiere. Buenas relaciones con los medios y algunas imprudentes declaraciones ideológico-políticas —acusó a Aznar y al PP de todos los males del cine español, siendo este partido quien le ha puesto en el cargo—, de las que después se ha retractado y pedido disculpas. Al margen de sus opiniones políticas, lo que esperan los amantes del cine es una buena programación, y será valorado por ello y no por deslices como el mencionado. De momento, ha confeccionado una Sección Oficial novedosa, desconcertante y también equilibrada, con algunos cineastas consagrados como Atom Egoyan —que acumula tres Espigas hasta la fecha—, Amos Gitai —a quien se le dedicó un ciclo en la 49ª Seminci—, Mika Kaurismaki o Carlos Sorin, junto a un buen grupo de autores noveles —hasta cinco filmes en competición son óperas primas—: todo eso deja ver su empeño por asumir riesgos y retomar la “vocación descubridora” de la Semana; ahora habrá que esperar resultados. Leer más »

El recuerdo del recientemente desaparecido Rafael Azcona sigue vivo, y esperemos que por mucho tiempo. El Festival de Cine Iberoamericano de Huelva contará en la programación de su trigésimo cuarta edición con un ciclo dedicado a su figura en el que se proyectarán un total de seis de sus películas, una selección a través de la cual se repasarán los años de profesión del gran guionista; el anuncio lo ha hecho público el director del certamen, Eduardo Trías, durante su intervención en el III Día del Audiovisual Andaluz, en el marco del 56º Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

En la sección podrán disfrutarse “Plácido”, dirigida por Luis García Berlanga en 1961, film que realiza una importante crítica social de la España de los sesenta; “Peppermint Frappé”, realizada en 1967 con Carlos Saura tras las cámaras y que se alzó con el Oso de Plata en la Berlinale; y “El bosque animado” (1987), de José Luis Cuerda, ganadora de tres Goya en la edición de 1988. Además, se proyectarán “El vuelo de la paloma” (José Luis García Sánchez, 1989), la recordada y exitosa “¡Ay, Carmela!” (Carlos Saura, 1990), gran triunfadora de los Goya de 1991 con catorce galardones, y la más reciente “La niña de tus ojos” (Fernando Trueba, 1998).

En la imagen: Fotografía de Rafael Azcona © 2008 Festival de Cine Iberoamericano de Huelva. Todos los derechos reservados. Fotograma de “La niña de tus ojos” © 1998 CARTEL, Fernando Trueba Producciones Cinematográficas S.A. y Lolafilms. Todos los derechos reservados.